Nicola Staeglich
born in Oldenburg, lives and works in Berlin

EDUCATION

1997-98 MA Fine Art, Chelsea College of Art, London

1993-95 Staatliche Hochschule für Bildende Künste Frankfurt

1990-97 Akademie für Bildende Künste der Johannes Gutenberg–Universität Mainz, Meisterschülerin

TEACHING

since 2015  Professor for painting at the Hochschule der Bildenden Künste HBK Essen

2007  Guest Artist - Painting´s Edge - IdyllwildArts, Idyllwild; Visiting Artist - New Research in Abstraction - Department of Fine Arts, Universitiy of Waterloo, Ontario

2005  Visiting Artist, Art Center College of Design, Pasadena, class on German Painting

GRANDS & AWARDS

2005-06  Los Angeles/ Pasadena - Berlin Senate in cooperation with Art Center College of Design, Pasadena

2005  Stiftung Kunstfonds, Bonn

2004  Villa Serpentara, Olevano Romano, Italy – Akademie der Künste Berlin

1997-98  British Academy Award, Ministerium für Kultur Mainz, August Müller-Stiftung zur Förderung Junger Künstler

1995  Lincoln, Great Britain – county Rheinland-Pfalz, Akademie für Bildende Künste Mainz

EXHIBITIONS (selected)

2021

presence, Galerie FeldbuschWiesnerRudolph Berlin ( solo)

2020

image_object, Poimena Gallery, Launceston, Australien

shining, GLUE Projektraum Berlin

Mixed Tape, Galerie Feldbusch Wiesner Rudolph, Berlin

2019

aerial, Galerie Wittenbrink, München

paperposition, (mit Galerie FeldbuschWiesnerRudolph) Berlin

Flüchtige Entwürfe, Projektraum Deutscher Künstlerbund, Berlin

Vor Ort, Maschinenhalle Fürst Leopold, Kunstverein Virtuell Visuell, Dorsten (Kat.)

Eigenbedarf, Atelier Antje Blumenstein, Uferhallen Berlin

All-In, Cubiculum, Berlin

Drei Häuser Kunstpfad, Daun Steiborn

10 Jahre Einraumhaus, Mannheim

all-out, Kwadrat, Berlin

Der Schein der Dinge, Scotty, Projektraum für zeitgenössische Kunst und experimentelle Medien, Berlin

Transparency, Galerie K, Staufen/Barcelona2018

Selbstbildnis in Farbe, Galerie FeldbuschWiesnerRudolph, Berlin (Solo)

2016

inbetween, Galerie FeldbuschWiesner, Berlin

Paint - Object, Annandale Gallery, Sydney

L´oiseau présente: Gunna Schmitdt, Nicola Stäglich, Anke Völk, Einraumhaus, Mannheim

Norm wird Form, Lage Egal Raum für aktuelle Kunst, Berlin

Frohe Botschaft, Botschaft Berlin

Monochrome, Lisa Norris Gallery, London

Abstract Strategies, boeckercontemporary, Heidelberg

2015
Eins in dem andern, Galerie Wittenbrink, München (solo)

Light Space, Lisa Norris Galerie, London (solo)

Alfonso Hüppi - Nicola Stäglich, Haus der modernen Kunst, Staufen (solo)

sew, saw, paint, rewrite, Galerie FeldbuschWiesner, Berlin

off-stroke, Kurt im Hisch e.v. Berlin (with Peter Pumpler, curated by Dr. Margit im Schlaa)

be abstract, L´oiseau présente, Ballhau Ost, Berlin und Kunstverein Schwäbisch Hall,

Abstract Strategies, Kunstraum der Scheidt´schen Hallen, Essen; Martina Kaiser Contemporary Art, Köln; Poiesis Spec, Berlin

Schwarze Nächte, Der Strich, Berlin

Plakativ IV, Städtische Galerie, Worpswede

2014

Twist, Kunstverein Schwäbisch Hall (solo)

cross over (with Wulf Kirschner) Stadtmuseum Oldenburg (Kat.) (solo)

zwischen Raum, L´oiseau présente, Ballhaus Ost, Berlin (solo)

100 painters of tomorrow, One Art Space, New York City (Kat.)

Im Dschungel, Kunstverein Familie Montez, Frankfurt a.M. (Kat.)

Touch, Galerie Hartwich, Sellin

Edition Norm, Koffer, Berlin

rip, cut - grow, L´oiseau présente, Ballhaus Ost, Berlin

Abstract Strategies, Bespoke, Düsseldorf

2013

Farbe Raum Farbe, Georg-Kolbe Museum, Berlin

from Berlin to Leiden: Boese, Balzer, Juillerat, Stäglich, IS-projects, Leiden, NL

Die Grosse, Museum Kunstpalast, Düsseldorf

Form Signage, Sophienholm (Kat.)

Landesmuseum Oldenburg (Kat.)

Light Space Project, Phayao, Thailand

Rituals of Exhibition, H Gallery, Chiang Mai, Thailand

2012

Nicola Stäglich, SNO contemporary art projects, Sydney (Kat.) (solo)

neon, dux & comes, Kunstverein Duisburg (Kat.) (solo)

spontane Emission, ALP, Überseequartier, Hamburg {solo

Montage, Schau Fenster, Berlin

Crossing Abstraction, Kunsthaus Erfurt und Forum Konkrete Kunst, Erfurt

Berlin Non Objective, SNO contemporary art projects, Sydney

Myspace – Rauminterventionen, Kunstraum Kreuzberg, Berlin

Edition Norm Issue No. 1, Kosmetiksalon Bar Babette, Berlin

choses vues à droite et à gauche (sans lunettes), L´oiseau présente, Ballhaus Ost, Berlin

Far afield, Novopo Projektraum, Weitenhagen

peer to peer to peer, Tête, Berlin

2011

Sommer und Schluß, Galerie Wittenbrink München

Ceci n´est pas abstrait, L´oiseau présente, Ballhaus Ost, Berlin

Pop Hits, Tanzschuleprojects, München und Autocenter, Berlin

Neuerwerbungen, Artothek, Oldenburg

2010

Der Garten der Pfade, die sich verzweigen, L´oiseau présente, Ballhaus Ost

Folk 2 – Assemblage No. 4, SNO contemporary art projects, Sydney

Ayran & Yoga – The 1st Berlin Kreuzberg Biennale, Forgotten Bar, Berlin

UM 2010 – Festival für Kunst, Literatur, Musik, Fergitz

Amphisbaena, Forgotten Bar, Berlin

Reduxdelux: Small sculptures, Parkhaus Project Space, Berlin

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ENGLISH VERSION BELOW

SELBSTBILDNIS IN FARBE

NICOLA STAEGLICH

"Meine  Malerei befindet sich schwebend im Raum"

Welche Bedeutung hat der ephemere Charakter des Lichts für Dich? Und welche besonderen Ausdrucksmöglichkeiten empfindest Du in Deiner Malerei hinsichtlich der Wirkungen von Licht und translucenter Farbe?

Das Malen auf dem transparenten Träger des Acrylglases bietet mir die höchste Farbleuchtkraft und stärkste Farbkonstraste, so als wenn meine Klaviatur über ungeahnte Oktaven verfügen würde. Diese Brillanz gibt es sonst nur noch in der Glasmalerei. Bei den "Transparencies" befindet sich die Farbe hinter der lichtdurchlässigen und spiegelnden Scheibe im Abstand zur Wand. Das Licht trifft auf die Oberfläche und reflektiert die Farbe der Malerei in Richtung des Betrachters und projiziert sie je nach Transparenz und Dichte farbig oder grau vom Betrachter weg auf die Wand oder auf eine zweite Trägerplatte. Die Malerei befindet sich also real schwebend im Raum. Die Projektion der Farbe sowie weitere gemalte Farbsetzungen z.B. auf der Trägerplatte oder an den Rändern des Acrylglaskörpers führen zu einer komplexen raumzeitlichen Farbwahrnehmung. Der Bildraum ist ein entgrenzter Lichtraum. Die besondere Leuchtkraft der Farbe ist nicht einfach im Sinne von "Farbsättigung" zu verstehen. Der Pinselduktus, aber auch das Zerfließen von Farbe, wird durchleuchtet und bekommt damit eine besondere Präsenz und einen besonderen Ausdruck. Hier geht es nicht um Technik sondern um Emotionalität. Ich habe immer wieder die Glasfenster von Henri Matisse in der Chapelle du Rosaire in Vence besucht. Die Leuchtkraft der Farben und das Lösen der Farben von ihrem Träger in Form von farbigen Schatten im Raum haben mich sehr berührt. Mich treibt die Sehnsucht um, Farbe zum Schweben zu bringen, weil sie dadurch immateriell und der Raum unendlich wird.

 
Wie ist der Unterschied zu anderen Bildträgern wie Papier, Holz oder Leinwand?

Der Bildaufbau beim Malen auf Papier, Holz oder Leinwand ist dem Arbeiten auf dem transparenten Acrylglas-Träger genau entgegengesetzt. Die Farbe saugt sich in den weiß grundierten Untergrund und bleibt für den Betrachter anfaßbar. Ich kann die Farbe stärker fließen lassen und arbeite z.B. mit Prozessen der Autopoiesis.

Die Grundkomposition und der Farbauftrag in Deinen Arbeiten wirkt kontrolliert und überläßt zugleich der physischen wie visuellen Präsenz der Farbe stets den Vorrang.

 
Die Präsenz der Farbe lebt in meiner Arbeit von der stark physischen Einschreibung der Farbe durch die breiten Pinselsetzungen. Teilweise arbeite ich mit 80 cm breiten Pinsel. Dadurch entstehen klare Entscheidungen. Das Kontrollierbare und Planbare ist jedoch immer vom Kontrollverlust gebrochen.

Welche spezifische Bedeutung hat die Farbe für Deine Malerei als naturwissenschaftliches Phänomen?

Die Farbwahrnehmung gehört zur komplexesten Sinneswahrnehmung, die das Licht im Bewußtsein erzeugt. Wir können nur einen Bruchteil der Farben sehen; Wellenlängen im Bereich von ca 400 bis 750 Nanometer. Wenn man UV sieht wie die Biene es tut, lebt man in einer anderen Welt. Meine Malerei ist keine physikalische Versuchsanordnung, und doch hat die Idee des Ephemeren genau mit der Lichtwelle zu tun.

Wie würdest Du den Transfer oder das Verhältnis in deiner Malerei von Bild und Wirklichkeit beschreiben?

Mich dem Sehprozess hinzugeben und Farbe, Licht und Schatten zu beobachten, ist für mich wie Essen und Trinken. Bildidee und Wirklichkeit sind für mich eng verwoben. Das Gedächtnis wurde von den Griechen mit einem Wachsblock verglichen, in den sich das Erlebte einprägt. Manchmal reichen ein Stück Himmel, ein Lichteinfall, der Körper oder Architektur für eine Idee. Ich bin bis zu meinem siebten Lebensjahr in Städten aufgewachsen, dann im Mittelgebirge. Seit dem Studium lebe ich wieder fast ausschließlich in Städten, vor allem in Berlin. Ich scanne die Beschaffenheit der Horizontlinie, die Luftschichten und Wolkenbildungen. Ich nehme diese Phänomene alltäglich wahr, suche sie auch speziell auf. Im letzten Sommer war ich auf der Wildspitze, um neue Seh- und Körpererfahrungen zu machen. Besondere Resonanz empfinde ich bei leeren und weiten Landschaften. Der einjährige Aufenthalt in Los Angeles mit den Reisen durch Arizona, Utah und New Mexico war prägend. Für mich ist das Bild ein Ort der Erfahrung.

Erzeugt der Fokus auf das Licht in deinen neuen Arbeiten auch ein anderes Konzept von Raum und Zeit?

Die Bilder sind interaktiv. Sie verändern sich im Tagesverlauf und mit der Bewegung des Betrachters vor der Arbeit. So kommt es zu einer künftigen Verschiebung der Wahrnehmung. Das raum-zeitliche Wahrnehmen ist in Veränderung begriffen. Die Spiegelung des Betrachters und seiner Umgebung wird Teil des Bildes. Die nichtlineare Durchdringung dieser verschiedenen Ebenen und die Irritation darüber, was zu Sehen ist, interessiert mich. Es ist ein fast halluzinierender Zustand.

Inwiefern spielen in Deiner bildnerischen Arbeit das malerische Denken als performative Handlung und als eine „Aufführung“ von Malerei für Dich eine Rolle?

Meine Bewegungen bilden sich auf dem transparenten und spiegelnden Träger ab. Das hat für mich erst einmal eine existentielle, keine theoretische Dimension. Zu Beginn sprühe ich meist Farbe und arbeite dann mit Pinseln in den feinen Farbnebel hinein. Kontinuitäten und Disruptionen sind voller Lust und Gewalt.

Fragen von Jette Rudolph.

 

ENGLISH VERSION

SELBSTBILDNIS IN FARBE

NICOLA STAEGLICH

"My painting exists as real object floating in space"

Nicola what, for you, is the significance of the ephemeral character of light? And what do you feel are the specific types of expressive possibilities in your paintings with respect to the effects of light and translucent color?

Painting on a transparent substrate such as an acrylic sheet provides me with the highest degree of luminosity and the strongest contrasts that color can offer. It’s as if my keyboard had previously unsuspected octaves at its disposal. You’ll only find this kind of luminous brilliance in glass paintings. In my "Transparencies," color is located behind the transparent and reflective surface of the sheet – in the distance between it and the wall. The light touches the surface and reflects the color of my paintings towards the viewer, and, depending on the paint’s see-through quality and thickness, then projects it away from the viewer and onto the wall, either as color or grayed out, or onto a second substrate. As a result, the painting exists as real object floating in space. The projection of color as well as the deposit of more increments of paint, for example onto the substrate or the edges of the acrylic glass frames, make for a complex type of color perception inflected by time and space; this is because the frames aren’t placed directly on the wall but at a distance from the wall. The space of the painting is thus a luminous space stripped of borders. The special luminosity of the paint is not to be reduced to a mere "saturation with color.” The brushwork, but also the liquid dispersal of the paint is illuminated through and through and thus acquires a very special presence and a special expressiveness. This is not about technique but about emotionality. I have visited again and again the glass windows made by Henri Matisse for the Chapelle du Rosaire in Vence. The luminosity of the colors and the release of these colors from their support in the form of colorful shadows in space have moved me deeply. I am driven by the desire to make colors float because then they become immaterial and space becomes infinite.

What difference does it make for you when you use other types of substrates for your painting, such as paper, wood or canvas?

When you paint on paper, wood or canvas, your pictorial construction is the opposite of the one you’d engage in when working with transparent substrates. Paint gets absorbed by the white primer underneath and remains accessible to the viewer who can touch it. I can let the paint flow more strongly and sometimes work with such processes as autopoiesis.

The basic composition and application of paint in your works look as though they were controlled and yet they always yield primacy to the physical and visual presence of color.

 
The presence of color in my works lives in its strongly physical inscription by means of broad brush strokes. I work in part with brushes that are 80 cm wide. They allow me to make clear decisions. But that which is subject to control and planning is always interrupted by a loss of control.

What specific significance does color have for your paintings, for example as a phenomenon of natural science?

The perception of color is one of the most complex types of sensory perception that light produces for consciousness. We can only see a fraction of existing colors – wave lengths of about 400 to 750 nanometers. If we look at UV as bees do, then we live in another world. My paintings do not constitute an experiment in physics – and yet, the idea of ephemerality has precisely to do with light waves.

How would you describe the transfer or relationship in your paintings between picture and reality?

For me, to submit to the process of seeing and to observe color, light and shadow is like eating and drinking. Pictorial idea and reality are closely connected for me. The Greeks likened memory to a block of wax into which experience was etched. Sometimes a piece of sky, a slant of light, the body or architecture are enough for me to have an idea. Up to age 7, I lived in cities. After that, I moved to the Mittelgebirge highlands. Since completing my studies, I have again been living in cities almost exclusively, especially in Berlin. I scan the constitution of the horizon, the layers of air and the formation of clouds. I perceive these phenomena every day and also seek them out in their specificity. Last summer, I went up to Wildspitze mountain to gain new experience in seeing and bodily being. What’s particularly resonant for me are empty and wide-open landscapes. My one-year stay in Los Angeles and my travels through Arizona, Utah and New Mexico were deeply influential. For me, the picture is a site of experience.

Does the focus on light in your new works also produce a different concept of space and time?

These paintings are interactive. They change during the course of the day and as the viewer moves around in front of the work. This is how perceptions to come are being displaced. The perception of space and time is always subject to change. The reflection of observers and their environment becomes part of the picture. The non-linear overlap of these various levels and the irritation caused by what’s visible is interesting to me. It’s almost as though one were hallucinating.

In your pictorial works, does painterly thinking conceived of as a performative act and as a “performance” of painting play a role for you and if so how?

My movements take place on the transparent and reflective substrate. That fact, for me has first of all an existential and not a theoretical dimension. I usually start out spraying paint and then work my way into the fine fog of color with brushes. Continuities and disruptions are full of passion and violence.

Fragen von Jette Rudolph.