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Der Kurator Jan-Philipp Frühsorge hat acht internationale Künstler/Innen eingeladen, welche er uns in Berlin präsentieren wird. Im Vorfeld der Ausstellung haben wir einige Fragen an ihn formuliert.

Lieber Jan-Philipp, wir freuen uns, dass du unserer Einladung zu der Kuration einer Ausstellung in die Galerie gefolgt bist. Und wir sind schon sehr neugierig, mit welchen Künstlern und Werken, du unser Publikum bekannt machen wirst! Die Ausstellung wird sich gebührenderweise über unsere gesamten drei Ausstellungsräume erstrecken. Magst du ein paar erläuternde Worte zum Titel „Before the Dust Settles“ formulieren?

JPF: „Before the Dust Settles“ beschreibt Material in einem Schwebezustand, in einem Moment des davor und noch nicht, antizipiert aber zugleich das Resultat, wenn der Augenblick des Ephemeren endgültig zum Stillstand gekommen ist. Staub, der sich in Bewegung und Orientierung befindet, verweist auf den Moment, wo der Ausgang noch offen, die Sicht noch verdunkelt ist, sich aber etwas schon im Nukleus abzeichnet, Kontur gewinnt, kurz bevor die Dinge wieder in einer neuen Ordnung verharren und auf den nächsten Windstoß warten.

So gesehen ist der Titel für mich auch eine Metapher für das Medium Zeichnung an sich, für ihre Offenheit und ihre Potentialität. Sie ist für mich, um ein bekanntes Wort von Musil zu variieren, ein „Möglichkeitsmedium“. Darüberhinaus ist Staub materielle Zeit. Vergangenheit. Vergessen. Staub ist auch die Chiffre des Todes. Unter Staub findet sich Verborgenes. Aber Staub ist eben auch eigenartig schön, faszinierend und gefährlich. Er dringt in unsere Lungen ein und hindert uns am Atmen. Wer mit Staub zu tun hat, trägt besser Masken. Wer Staub aufwirbelt, macht sich unbeliebt. Und am Ende geht es natürlich auch um Staub im ganz konkreten Sinne, als feinstoffliches Material. Es begegnet als Pulver und Pigment, das anders als man es oft kennt die Zeichnung von der Fläche und dem Kontrast her definiert, und nicht von der Linie.

Wie von dir beschrieben steht das Medium der Zeichnung in seinen verschiedensten Ausdrucksformen im Zentrum deiner Ausstellung. Dabei bist du selbst eine international anerkannte Koryphäe auf dem Gebiet der zeitgenössischen Graphik. Bitte erzähle doch einmal, wie deine Liebe zu diesem intimen wie zeitlosen Medium begann. Welche Stationen deiner Arbeit als Kurator und Vermittler dich prägten. Und welche aktuellen Projekte dir am Herzen liegen.

JPF: Begonnen hat es sicherlich während des Studiums der Kunstgeschichte an der FU. Ich habe bei Werner Busch studiert, einem der wirklich wichtigen Forscher auf dem Feld der Grafischen Künste, zu dessen Universum Rembrandt, Goya, C.D. Friedrich, aber auch Hogarth und Menzel zählten. Diese sind allesamt Künstler, die mich immer wieder daran erinnern, wie wichtig es ist, den Blick auf die Gegenwartskunst mit diesen zu ihrer Zeit ungeheuer modernen Künstlern zu relativieren, und die eigenen Maßstäbe zu überprüfen. Ich habe dann eine Weile in New York gelebt und am Guggenheim Museum als Praktikant gearbeitet. Während dieser Zeit habe ich das Drawing Center kennengelernt, die sicher einflussreichste Institution für die Kunst der Gegenwartszeichnung, gegründet in den 70er Jahren von einer ehemaligen MoMA Kuratorin.

Dort wurde maßgeblich der Keim gelegt, der später dann den Wunsch der Gründung einer eigenen Galerie für Zeichnung mitgetragen hat. Diese 12 Jahre als Galerist haben mich am stärksten geprägt. Die Idee das Medium in Berlin zu präsentieren ausschließlich und in allen Formen war enorm verlockend und eine wirkliche Herausforderung. Am Anfang war ich tatsächlich allein auf weiter Flur.

Das hat sich dann aber im Laufe der Jahre Gottseidank geändert. Ich hatte aber auch glücklicherweise früh Anerkennung und Unterstützung von Institutionen wie dem Kupferstichkabinett durch Kuratoren wie Andreas Schalhorn, der regelmäßig in die Ausstellungen kam. Der Diskurs um das Medium herum, die institutionelle Aufmerksamkeit, das kontinuierliche Wachsen eines Marktes mit spezialisierten Sammlern und Messen etc., das alles hat sich in den letzen 20 Jahren enorm entwickelt.

Es gab Ausstellungen wie die zu Ehren Brice Mardens mit Unterstützung einer bedeutenden amerikanischen Privatsammlung, Kooperationen mit Zeichnungsinstitutionen wie dem Londoner Drawing Room, dem Rijksmuseum in Amsterdam oder akademische Projekte wie das Symposium zu Zeichnung und Raum mit der Akademie der Künste, die wichtig waren.

Gegenwärtig unterrichte ich an Kunsthochschulen in Paris und Bristol und bereite ein größeres Ausstellungsprojekt mit meiner Frau Albane vor, das sich mit Zeichnung vom afrikanischen Kontinent befasst. Im Frühjahr wird es noch ein weiteres Zeichnungsprojekt in Paris geben, das zeitgenössische Praxis mit Art Brut / Outsider art kombiniert.

Das aktuelle Kunstjahr 2020 ist durch die aufgrund der COVID19-Pandemie bedingten Beschränkungen für Reisen, gesellschaftliche Treffen und die Absage von Veranstaltungen wie Messen, Performances, Konzerte etc. geprägt. Inwieweit beeinflussten die Gegebenheiten die Organisation deiner Ausstellung? Wie geht es den für die Show eingeladenen Künstlern?

JPF: ... die KünstlerInnen der Ausstellung leben alle in Europa, in Belgien, Frankreich, Schweden, Großbritannien und auch Berlin. Ich habe tatsächlich darauf verzichtet, andere Regionen miteinzubeziehen, weil es unmöglich gewesen wäre, zu gewährleisten, dass die KünstlerInnen oder deren Arbeiten termingemäß nach Berlin reisen können. Es wird aber auch ganz neue Arbeiten geben, die gerade in Produktion sind, wie z.B. die von Wanda Stolle und Ulrike Mohr, die sich konkret mit dem Raum auseinandersetzen wird.

Als gelernter Kunsthistoriker ist der Blick in die Geschichte und der Gang ins Museum immer wieder eine Schule des Sehens. Welche Altmeisterzeichnung ist dabei der Liebling von Jan-Philipp Fruehsorge? Warum? Und was kann man aus deinem Lieblingswerk für die Gegenwart als Anregung aufnehmen und weiterdenken?
JPF: Es gibt nicht die eine Zeichnung. Das werdet ihr verstehen. Das geht glaube ich jedem, der professionell mit Kunst zu tun hat, ähnlich. Dass sich das immer wieder auch nach Stimmung und bestimmten Umständen ändert, was einem besonders wichtig und kostbar erscheint. Zwei Blätter allerdings stehen sehr lange auf meiner Favoritenliste.

Das eine ist „Erased de Kooning Drawing“ aus dem Jahr 1953 von Robert Rauschenberg, also eigentlich eine „Nicht-Zeichnung“, ein fast leeres Blatt, das die Spuren ihrer Auslöschung zeigt. Für mich ein Meilenstein der modernen Kunstgeschichte, da das Werk wie ein symbolischer Vatermord mit der Generation zuvor bricht und konzeptionell die Möglichkeiten radikaler ästhetischer Gesten auslotet. Und nebenbei ist es auch eine schöne Zeichnung, die einen eben extrem auffordert ge- nauestens hinzuschauen, weil es eben doch noch Reste des de Kooning auf der Oberfläche gibt.

Das zweite Blatt ist von Pieter Bruegel dem Älteren und befindet sich hier in Berlin im Kupferstichkabinett. Die „Bienenzüchter“ aus dem Jahr 1568 ist eine Federzeichnung, ca 20 x 30 cm, die eine Reihe von vermummten Gestalten zeigt, die sich an Bienenkörben zu schaffen machen. Eine Figur im Hintergrund klammert sich an einen Ast. Die Szenerie ist merkwürdig surreal und ein wenig beklemmend durch die Gesichtslosigkeit der Personen. Die Interpretationen, wie oft bei Bruegel, gehen bis zu komplexen politischen wie auch religiösen Inhalten, so hier als ein kritischer Zeitkommentar zur Situation der spanisch besetzen Niederlande des 16. Jahrhunderts. Zeichnerisch atemberaubend schön; es gibt zarte Striche, präzise Schraffuren, leichte Punktmarkierungen. Das Auge wandert ständig hin und her, folgt der Raffinesse der Komposition und dem Spiel der Linien. Ein Blatt, dessen Echo man in vielen modernen Künstlern wiederfindet, von van Gogh, bis Ensor. Die Bewunderung von Baudelaire für Bruegel versteht man auch mit Blick auf dieses Blatt.

Herzlichen Dank, Jan-Philipp, für das Gespräch. Wir freuen uns auf die Show, auf die Künstler mit ihren Kunstwerken und viele neugierige Besucher!




The curator Jan-Philipp Frühsorge has invited eight international artists, which he will present to us in Berlin. In the run-up to the exhibition we have formulated a few questions for him.

Dear Jan-Philipp, we are delighted that you have accepted our invitation to curate an exhibition at the gallery. And we are already very curious with which artists and works you will introduce our audience! The exhibition will cover all three of our exhibition rooms. Would you like to formulate a few explanatory words about the title "Before the Dust Settles"?

JPF: "Before the Dust Settles" describes material in a state of suspense, in a moment before and not yet, but at the same time anticipates the result when the ephemeral moment has finally come to a standstill. Dust in motion and orientation refers to the moment when the exit is still open, the view is still obscured, but something is already emerging in the nucleus, taking shape, just before things are again in a new order and waiting for the next gust of wind.

Seen in this light, the title is for me also a metaphor for the medium of drawing itself, for its openness and its potentiality. It is, to vary a well-known word of Musil, a "medium of possibility" for me. Furthermore, dust is material time. The past. Forgotten. Dust is also the cipher of death. Under dust there is hiddenness. But dust is also strangely beautiful, fascinating and dangerous. It penetrates our lungs and prevents us from breathing. Those who deal with dust are better off wearing masks. Anyone who kicks up dust makes himself unpopular. And in the end, of course, it's all about dust in a very concrete sense, as a subtle material. It is encountered as a powder and pigment that, unlike what we are often familiar with, defines the drawing in terms of surface area and contrast, rather than line.

As you have described, the medium of drawing in its various forms of expression is at the center of your exhibition. You yourself are an internationally recognized luminary in the field of contemporary graphic art. Please tell us how your love for this intimate and timeless medium began. Which stations of your work as curator and mediator shaped you. And which current projects are close to your heart.

JPF: It certainly began during your studies of art history at the FU. I studied with Werner Busch, one of the really important researchers in the field of graphic arts, whose universe included Rembrandt, Goya, C.D. Friedrich, but also Hogarth and Menzel. These are all artists who constantly remind me how important it is to put the view of contemporary art into perspective with these artists, who were incredibly modern in their time, and to examine my own standards. I then lived in New York for a while and worked at the Guggenheim Museum as an intern. During that time I got to know the Drawing Center, certainly the most influential institution for contemporary drawing art, founded in the 1970s by a former MoMA curator.

It was there that the seed was planted, which later led to the desire to found my own gallery for drawing. These 12 years as a gallery owner have had the strongest influence on me. The idea of presenting the medium in Berlin exclusively and in all forms was enormously enticing and a real challenge. In the beginning I was really alone on a wide corridor.

But that changed over the years, thank God. Fortunately, I also had early recognition and support from institutions like the Kupferstichkabinett through curators like Andreas Schalhorn, who regularly came to the exhibitions. The discourse around the medium, the institutional attention, the continuous growth of a market with specialized collectors and fairs etc., all this has developed enormously over the last 20 years.

There have been exhibitions like the one in honor of Brice Marden with the support of a major American private collection, collaborations with drawing institutions like London's Drawing Room, the Rijksmuseum in Amsterdam, or academic projects like the symposium on drawing and space with the Academy of Arts, which have been important.

I currently teach at art academies in Paris and Bristol and am preparing a major exhibition project with my wife Albane that will focus on drawing from the African continent. In spring there will be another drawing project in Paris, combining contemporary practice with Art Brut / Outsider art.

The current art year 2020 is characterized by the restrictions on travel, social gatherings and the cancellation of events such as fairs, performances, concerts etc. due to the COVID19 pandemic. To what extent did the circumstances influence the organization of your exhibition? How are the artists invited for the show?

JPF: ... the artists of the show all live in Europe, in Belgium, France, Sweden, Great Britain and also Berlin. I actually refrained from involving other regions because it would have been impossible to guarantee that the artists or their works would be able to travel to Berlin on time. But there will also be completely new works that are currently in production, such as those by Wanda Stolle and Ulrike Mohr, who will be dealing specifically with the space.

As a trained art historian, looking into history and going to a museum is always a school of seeing. Which old master drawing is Jan-Philipp Fruehsorge's favorite? Why? And what can be taken from your favorite work for the present as a stimulus for further thinking?
JPF: There is not one drawing. You will understand that. I think it's similar for everyone who is professionally involved with art. That it changes again and again according to mood and certain circumstances, which seems particularly important and precious to you. Two sheets, however, are on my list of favorites for a very long time.

One is "Erased de Kooning Drawing" from 1953 by Robert Rauschenberg, which is actually a "non-drawing", an almost empty sheet that shows the traces of its erasure. For me it is a milestone in modern art history, since the work breaks with the previous generation like a symbolic patricide and conceptually explores the possibilities of radical aesthetic gestures. And by the way, it is also a beautiful drawing, which is extremely challenging to look closely, because there are still remains of de Kooning on the surface.

The second sheet is by Pieter Bruegel the Elder and is here in Berlin in the Kupferstichkabinett. The "Beekeeper" from 1568 is a pen and ink drawing, about 20 x 30 cm, showing a series of hooded figures tampering with beehives. A figure in the background clings to a branch. The scene is strangely surreal and a little oppressive due to the facelessness of the persons. The interpretations, as often with Bruegel, go as far as complex political as well as religious contents, so here as a critical commentary on the situation of the Spanish occupied Netherlands in the 16th century. Drawing is breathtakingly beautiful; there are delicate strokes, precise hatchings, light dot markings. The eye constantly wanders back and forth, following the sophistication of the composition and the play of lines. A sheet whose echo can be found in many modern artists, from van Gogh to Ensor. Baudelaire's admiration for Bruegel can also be understood by looking at this sheet.

Many thanks, Jan-Philipp, for the interview. We are looking forward to the show, to the artists with their works of art and to many curious visitors!